Les films à suspens ont très vite adopté des codes musicaux récurrents pour insuffler à leurs images un sentiment d'angoisse oppressant. Cela passer par l'utilisation d'un ostinato, de chromatismes, de contrastes entre les aigus et le grave, de timbres particuliers comme celui des cordes ou des percussions. Quelques exemples vont montrer l'histoire de cette construction dont les règles n'ont pas tellement évolué jusqu'à nos jours et sont ancrés dans nos habitudes auditives. On verra aussi comment la juxtaposition de différentes musiques de caractère diamétralement opposé peut influencer le sentiment que laisse une même séquence visuelle.
Née à Buenos Aires mais issu d'un métissage musical et culturel dû à une pluralité de cultures sur une terre d'immigration qu'est devenue l'Argentine au 19ème et 20ème siècle, le TANGO a acquis très progressivement ses codes avant de coller à l'identité de ce pays. Elle s'est ensuite exportée jusqu'en Europe où cette musique et cette danse trouvent une expression plus distinguée dans les salons, passant du milieu malfamé où elle s'est construite au milieu bourgeois plus guindé. C'est l'occasion pour le compositeur Astor Piazzola de réaliser la fusion entre les mondes académique et populaire à travers une œuvre qui a fait avancer la technique des instruments classiques en leur redonnant de la vigueur.
L'histoire du Tango, avec quelques chansons qui lui sont liées et des extraits variés, permet de rendre compte de l'éternelle richesse des échanges entre les sociétés humaines même radicalement différentes, et montre le contraste entre la radicalité d'une identité exclusive et sa fatale évolution au gré des rencontres et du hasard des pratiques sociales. Comme tout autre style, le TANGO est le reflet de la perpétuelle mouvance du phénomène musical.
Pour présenter l'une de ses oeuvres les plus importantes, récompensée par un grammy award en 1989, son compositeur Steve Reich rappelle son enfance passée dans les trains avec sa gouvernante à traverser les paysages variés des Etats-Unis. C'est l'occasion d'intégrer une rythmique propre à la machine mais aussi de prendre conscience de la nation américaine unie par son réseau ferré au début du 20ème siècle.
Parmi les trois trains proposés, le mouvement central évoque les trains de la déportation, plus sombre et dérangeant que les deux autres, c'est l'occasion pour le compositeur qui aurait pu faire parti des déportés s'il avait vécu en Europe à la même époque, de plonger l'auditeur dans une expérience sonore au plus près de celle perçue par les victimes des camps de concentration. L'oeuvre musicale devient alors le support d'une mémoire qu'il est crucial de ne pas perdre, à l'heure où les derniers survivants et témoins nous auront bientôt quitté.
L'enregistrement de leur témoignage reste, l'artiste est aussi là pour aider l'auditeur à prendre conscience d'une histoire qui est celle de toute l'humanité, quitte à heurter l'oreille, à se faire l'écho du traumatisme de la deuxième guerre mondiale. C'est aussi en 1988 une révolution musicale qui s'opère par l'introduction réussie de l'enregistrement dans la musique instrumentale : relier la tradition du quatuor à cordes avec les nouvelles technologies du moment ouvrira la porte à la musique que nous connaissons aujourd'hui. "Different trains" reste à ces deux égards comme une oeuvre emblématique à connaître.
